Noticias Home

XIX NOCHES EN LOS JARDINES DEL REAL ALCÁZAR DE SEVILLA / Conciertos del 25 al 30 de Junio

Día 25/6, lunes 

ANTONIO CAMPOS

(con Dani de Morón, a la guitarra)

Flamenco

Tardoantiguo

Ver video 1   Ver video 2  

“Si como inspirador de melodías goza de la admiración de los aficionados, como escritor le brindo mis palmas a compás”  /  Manuel Martín Martín.

“Una perita en dulce”  /  Manuel Bohórquez.

“De conciertazo se puede catalogar el recital de Antonio Campos. Se aunaron los planetas, las estrellas y hasta los duendes se atrevieron a aparecer”  /  Antonio Conde.

“No necesitó más de cinco minutos Antonio Campos para regalarnos una hermosa tanda por soleares, de las mejores que hemos oído últimamente”  /  Miguel Ángel Rodriguez. 

Cantaor y escritor, polifacético artista, Antonio Campos inicia su carrera escribiendo un tema que también canta para el disco “Granada baila por tangos”. Numerosas figuras del baile flamenco lo reclaman, colaborando con Fuensanta la Moneta, Manuel Liñán, Rafaela Carrasco, Juan Andrés Maya, Belén Maya, Marcos Flores, Alfonso Losa , Rafael de Carmen, Adela Campallo, Manolo Marín, Joaquín Grilo, Shoji Kojima, Rubén Olmo y un largo etcétera, con quienes realiza numerosas giras nacionales e internacionales. En solitario Antonio Campos no deja indiferente, por la rotundidad de su voz y su enorme conocimiento del cante. En este recital le acompañará un guitarrista de excepción y su colaborador habitual, el sevillano Dani de Morón.

«Tardoantiguo» es un recorrido por los diferentes palos flamencos desde sus posibles orígenes hasta la actualidad. Abordamos los cantes siguiendo el desarrollo que han experimentado a lo largo del tiempo, mostrando cómo germinaron y cómo los conocemos en la actualidad. Desde un antiguo Corrido Sefardí que viajó en galeras a nuevo mundo y regresó con ritmo y bailable a nuestras costas, hasta lo que hoy conocemos por Petenera. Desde los cantes primitivos de boda gitana como la Alboreá hasta los cantes por Bulería de la actualidad. Todo ello filtrado por el momento que vivimos y que defendemos.

Día 26/6, martes

ARTEFACTUM

Música medieval

Música sabia

Ver video

Los componentes de Artefactum son todos músicos curtidos en mil batallas, con una compleja e interesantísima trayectoria musical, lo cual es importante, pero con una más dilatada trayectoria vital, lo que es fundamental para saber de qué va lo que se está interpretando. No se puede transmitir una emoción que se desconoce y no se puede conocer una emoción sólo a través de una partitura. El Medioevo, quizás más que ninguna otra época en la historia, pone en contacto la ingenuidad monástica con la picaresca tabernaria, las comodidades de las cortes y las penalidades del Camino de Santiago y en Artefactum hay de todo esto, y mucho más.

A finales de 2016 el grupo hizo su presentación en Japón (Tokio y Hamamatsu), así como el estreno de su último trabajo discográfico “Musica ad navitatis tempus” en el Auditorio Nacional (Madrid) dentro del XLIV Ciclo de Grandes Autores e Intérpretes de la Música. Ya en 2017 Artefactum participó en el Festival de Música Medieval de las Huelgas en un concierto en unión del prestigioso coro gregoriano Schola Antiqua. Igualmente realizó el concierto especial de navidad 2017 de la Fundación Botín, en Santander.
Creado en 1994, Artefactum es uno de los grupos más representativos dentro del panorama de la Música Medieval en España, como lo muestra su participación en los más prestigiosos festivales de Música Antigua de nuestro país.

Artefactum es miembro fundador de AEGIVE (Asociación Española de Grupos Instrumentales y Vocales Especializados). Así mismo es miembro de GEMA (Asociación Española de grupos de Música Antigua).

Artefactum en su programa de esta noche deambula por algunas músicas creadas, pensadas y elaboradas desde la sabiduría. Alfonso X “El Sabio”, con su certeza a la hora de recopilar y plasmar tantas vivencias e historias de la época como las que disfrutamos a través de sus 427 Cantigas de Santa María. Compositores como Machaut y Landini, auténticos adelantados de su época. Rambeaut de Vaqueiras y su agudo acercamiento a la vida cotidiana medieval al igual que gran parte de sus ilustres colegas trovadores. Además el grupo también se hace eco de la sabiduría popular a través de piezas de baile, de amor, de guerra.

En la antesala de su 25 Aniversario (2019) y en su formación más reducida, aunque compuesta por los miembros fundadores del grupo, Artefactum nos propone una velada musical sin grandes pretensiones, en la que escucharemos piezas antiguas de su repertorio, al tiempo que otras de nuevo cuño, con un solo objetivo: Hacernos disfrutar de una música tan antigua como sabia.

Día 27/6, miércoles

LES TROIS ORDRES

Música Barroca

Bach: sonatas para flauta

Ciclo: En clave de Bach

Trío integrado por músicos andaluces con un amplio curriculum como Luis Orden, miembro del Ensemble Solistas de Sevilla y profesor de flauta travesera en el Conservatorio Superior de Música Manuel Castillo de Sevilla; Ventura Rico, activo intérprete y cátedratico de Viola da Gamba en el Conservatorio Superior Manuel Castillo de Sevilla; y Alejandro Casal, co-repetidor y acompañante del Coro Barroco de Andalucía y profesor de Clave en el Conservatorio Superior Manuel Castillo de Sevilla. Luis Orden, Ventura Rico y Alejandro Casal son conocidos exponentes de la música sevillana y, cada uno en su especialidad, también son reconocidos dentro de la escena nacional e internacional. El programa que nos presentan versa en torno a las sonatas para flauta de J. S. Bach.

Cada vez es más habitual, a nivel internacional, ver colaboraciones entre intérpretes con instrumentos originales e intérpretes con instrumentos actuales, ya que en definitiva se trata de hacer simplemente música respetando los preceptos historicistas.

Hoy actuarán juntos tres músicos sevillanos con una dilatada carrera musical y discográfica, formando el trío “Les Trois Ordres”. En francés la palabra “ordre” (“orden” en español) nos remite a las órdenes religiosas o militares, aunque también a multitud de conceptos desde la organización social, la arquitectura, la marina, el álgebra o las jerarquías angélicas. “Ordre”: complejidad, polisemia, orden. Un buen punto de partida desde el que abordar la música de Juan Sebastián Bach.

Luis Orden, flauta travesera moderna, Ventura Rico, viola de gamba y Alejandro Casal, órgano, nos ofrecerán un programa compuesto íntegramente por algunas de las piezas de cámara más importantes de Johann Sebastian Bach, verdaderos monumentos de la música clásica: las tres sonatas para flauta y bajo continuo BWV 1033, 1034 y 1035 y la triosonata, original para órgano, BWV 527, adaptada para esta formación. 

Día 28/6, jueves

GERMÁN LÓPEZ / ANTONIO TOLEDO

Otras músicas

Canela y Limón

Ver video 1   Ver video 2

Germán López y Antonio Toledo comienzan a trabajar juntos hace tres años, y tras pasar por dos ediciones de Womex, en España y en Hungría consecutivamente, su propuesta tuvo rápidamente eco en los circuitos internacionales. En 2016 realizaron juntos 19 conciertos repartidos por Europa, EE. UU. y Canadá. Ahora, tras recalar en Canarias en 2017, abordan una gira peninsular en la que presentan su primer disco conjunto titulado ‘Canela y Limón’. El timple canario y la guitarra flamenca se fusionan en un nuevo lenguaje, pero de viejas reminiscencias, que con toda naturalidad llena el auditorio de paisajes sureños, de un Sur compartido en una travesía sonora genuinamente atlántica. El virtuosismo compartido se equilibra, desplegando en sus once cuerdas un universo lleno de colores y matices.

En la actualidad, Germán López está centrado en la promoción internacional de su música a través de su último disco, Canela y Limón, grabado junto al guitarrista gaditano Antonio Toledo. Con este proyecto han recorrido en gira países como EE. UU., Canadá, Portugal, República Checa, Croacia y Alemania entre otros.

Día 29/6, viernes 

JOSETXU OBREGÓN / IGNACIO PREGO 

Música Barroca

Bach & Sons (Obras de J.S. Bach, J.Ch.Fr. Bach y J.Ch. Bach )

Ciclo: En clave de Bach

Ver video 1   Ver video 2 

“Derroche de virtuosismo, tanto en conjunto como por separado, y de musicalidad a raudales. […] Todo un recital de lujo con un magnetismo inigualable”. “Copa en mano” / Luis Suárez. Ritmo. Febrero 2018. 

El violonchelista barroco Josetxu Obregón y el clavecinista Ignacio Prego se presentan en esta ocasión como dúo, una formación en la que tienen una larga trayectoria que se remonta a 2005. Antes de especializarse ambos en interpretación histórica, desarrollaron una intensa carrera de conciertos en Europa y EE. UU. como violonchelista moderno y pianista. Como fruto de esta colaboración ve la luz en 2009 un Cd para el sello Verso.

Desde entonces, actúan tanto en solitario como a dúo o como parte de sus respectivas agrupaciones La Ritirata y Tiento Nuovo, en festivales y salas de gran prestigio de Europa, América, Asia y Oriente Medio, como por ejemplo Musikfestspiele Potsdam, Ludwigsburger Schlossfestspiele y Tage Alter Musik Regensburg (Alemania), Lincoln Center y Frick Collection en Nueva York (USA), Internationalen Barocktage Stift Melk (Austria), Teatro Nacional de China (Beijing), Felicja Blumental de Tel Aviv (Israel), Centro Studi Boccherini en Lucca (Italia), Valletta International Baroque Festival (Malta). En nuestro país son habituales en los principales festivales y escenarios como Universo Barroco y Liceo de Cámara del CNDM en el Auditorio Nacional de Música de Madrid, Fundación Juan March, etc.

Nos interpretarán obras para violoncello y clave de Johann Sebastian Bach y de dos de sus hijos que muestran el talento musical de una familia de compositores sin parangón en la historia. Un concierto que pone en contraste creaciones de estos dos compositores primeramente citados, junto a obras maestras de su progenitor, que permiten comprobar la evolución estilística que se produce a lo largo del tiempo entre los miembros de esta familia musical única en la historia. Además, una oportunidad única de escuchar a Josetxu Obregón e Ignacio Prego en formación de dúo.

Día 30/6, sábado

STOLEN NOTES

Folk

Los caminos musicales del Atlántico

Ver video 1    Ver video 2

Stolen Notes nace como formación en el año 2006 en Sevilla, en el seno de las llamadas jam sessions de música irlandesa. Poco a poco  el grupo va rodando y haciéndose un hueco en festivales folk de todo el país tales como el Irish Fleadh de Cáceres, Festival Intercéltico de Occidente (Asturias), Festival Prau de Cantabria, Festival Celta de Mijas, Festival Folk de Crevillent y un amplio etcétera. También participan en varias ediciones de Noches en los jardines del Real Alcázar de Sevilla.

En 2009 graban el álbum de presentación del grupo en los estudios Mundosinfónico de Sevilla. Con este primer álbum (ya agotado) consiguen varios premios y distinciones en concursos como en el Folkez Blai de Ermua, El Festival Folk de Plasencia y en los Festivales PRAU de Cantabria. En Julio de 2011 se alzan con el Primer premio del Festival Internacional do Mundo celta de Ortigueira (A Coruña), galardón que supone un trampolín para la carrera del grupo. En 2013 publican “The Loot”, su segundo trabajo. Grabado entre Sevilla, Glasgow y Oviedo. Cuentan con la colaboración de músicos reconocidos mundialmente en el Folk como Rubén Bada (Bouzouki) y el violinista escocés Rua MacMillan.

En 2018 el sonido del grupo se renueva y publican el tercer álbum “The Ocean Road”, que viene a conmemorar sus más de diez años como formación. Con un sonido renovado y un repertorio siempre basado en la tradición musical de los países celtas, se desarrolla un programa que muestra un recorrido por sones y melodías que tienen el Océano Atlántico como nexo de unión. La confluencia del mismo mar entre escoceses, irlandeses, gallegos, asturianos y bretones ha inspirado multitud de historias, leyendas y hermanamiento cultural de estas tierras. Los miembros del grupo, tras años de estudio y continuos viajes, ofrecen una propuesta con una nueva vuelta de tuerca a su sonido pero manteniendo el sello y esencia de su trayectoria.

VENTA DE ENTRADAS

Nuevas visitas guiadas de los últimos trabajos arqueológicos

 

Con motivo de la restauración del Cenador del León, se han creado tres visitas gratuitas guiadas por sus restauradores. Aforo máximo por visita 30 personas

Sábado 23 de junio. 11.00 h. Visita Arquitectónica al Cenador del León. Guiada por Dª. Lola Robador. 

Sábado 30 de junio. 11.00 h. Visita Arquitectónica al Cenador del León. Guiada por Dª. Lola Robador.  

Sábado 30 de junio. 12.00 h. Visita Arqueológica al semisótano del Palacio Mudéjar y al Cenador del León. Guiada por D. Miguel A. Tabales. 

 

 

XIX NOCHES EN LOS JARDINES DEL REAL ALCÁZAR DE SEVILLA / Conciertos del 18 al 23 de Junio

Día 18/6, lunes 

THE DIXIELAB

Jazz

El nacimiento del Hot Jazz

Ver video 1   Ver video 

The DixieLab surge como un laboratorio de música en directo con el objetivo de jugar, compartir, aprender y disfrutar con los clásicos del jazz más antiguo que surgió en Nueva Orleans a principios del siglo pasado: el dixieland.

La banda la conforman cinco músicos con mucha experiencia en proyectos relacionados con el swing y el hot jazz de los años 20 y 30, miembros a su vez de O Sister!, Très Bien! o Tamal Hot Band. Han colaborado varias veces con reconocidos intérpretes del estilo tanto nacionales como internacionales. Con The DixieLab buscan un espacio de encuentro con ese viejo y maravilloso repertorio estrechamente relacionado con el baile, dándose mucha libertad para la improvisación, entregándose por completo a la espontaneidad y a la emoción y creando momentos únicos que solo la música en directo puede proporcionar, bajo la filosofía de que la vida es mucho mejor (y más divertida) gracias al swing.

El grupo presenta su primer disco: Hear Me Talking To You (Blue Asteroid 2018).

Título -no falto de humor- donde reivindican el blues más antiguo como piedra de toque y elemento fundamental del jazz y con el que hacen un guiño al libro «Hear me talkin´to you», recopilatorio de historias orales del jazz, escrito por Natt Saphiro y Nat Hentoff, editado en 1955.

Hentoff entendía las vivencias de los artistas y su aspecto humano como algo esencial para explicar cómo se hace la música y de dónde viene. Y de esta manera entienden, disfrutan y se entregan a la música los integrantes de The DixieLab.

Día 19/6, martes

EMILIO VILLALBA & SEPHARDICA

Música medieval

Avrix mi galanica (Música de la tradición sefardí)

Ciclo: Voces de sal

Ver video 1   Ver video 2

Los componentes de Sephardica son músicos especializados en el estudio, recuperación y difusión de las músicas con instrumentos históricos, fundamentalmente, del periodo artístico comprendido entre los siglos VIII-XVI. Llevan más de 7 años trabajando juntos en una amplia labor concertista por todo el territorio nacional, Portugal y Francia, con espectáculos de música medieval donde conjugan el teatro, la narrativa y una gran riqueza tímbrica en la interpretación de las piezas. En Festivales como Pórtico do Paraíso (Ourense), Femás (Sevilla), Maremusicum (Almería), Festival Sefardí (Córdoba, León, Girona…), Noites d’Encanto (Portugal), IKFEM (Portugal-España), Les heures Musicales (Francia), Festival Caprichos Musicales (Comillas), Festival Tres Culturas (Toledo)… han obtenido gran éxito de público y crítica.

Se llama música sefardí al conjunto de canciones tradicionales que han conservado las comunidades de judíos exiliados de la Península Ibérica, a la que llamaban Sepharad. Se trata de una música con raíces medievales que se fue transmitiendo de forma oral, absorbiendo con el paso del tiempo diversos estilos musicales según las zonas geográficas donde se fueron asentando los sefardíes por el Mediterráneo: norte de África, los Balcanes, Grecia, Turquía…

Este concierto lleva a escena una selecta recopilación de las músicas más bellas conservadas, interpretadas tal y como se hacía antaño y con instrumentos históricos: adufes, rabeles, laúdes, salterios… Canciones de amor, romances y nanas que se siguen cantando de abuelas a nietos, todavía hoy, desde hace cientos de años.

Día 20/6, miércoles

ANTONIA FERNÁNDEZ / RIKI RIVERA 

Flamenco

Lo que pida la luna

Ver video 1   Ver video 2

El dúo formado por Antonia Fernández y Riki Rivera se presentan en exclusiva en 2018 en el ciclo Noches en los Jardines del Real Alcázar de Sevilla, como respuesta de la inquietud artistica de la cantaora almeriense. Antonia (Toñi Fernández para el arte flamenco) nace en el seno de una familia gitana con gran afición al arte jondo. Comienza a cantar a temprana edad siguiendo los pasos de sus hermanos, recorriendo numerosos escenarios de peñas, tablaos, pero su nombre empieza a conocerse al hacerse con el primer premio en el X Concurso Andaluz de Jóvenes Flamencos. En 2012 graba su primer disco “Dame la mano” rodeada de colaboradores como, Pedro Sierra, Diego del Morao, Jesús del Rosario o Ricardo Rivera (Riki Rivera para el arte, sin etiquetas). El gaditano Riki Rivera es un personalísimo artista que derrocha el arte que sólo otorga el Barrio de la Viña. También guitarrista flamenco de profundo conocimiento, que desde que empezara con la Compañía Andaluza de Danza de la mano de Javier Latorre, ha dado discretamente pasos de gigante en una carrera brillante. Su versatilidad en el arte le valió un Goya en 2015, por la canción “Niño sin miedo”, junto a India Martinez y David Santisteban. De la mano de este último, el dúo emprende una colaboración que seguro abrirá nuevos horizontes artísticos.

Los artistas no sólo tienen la necesidad de reproducir, los artistas tienen la necesidad de crear. En este momento y después del bagaje como cantaora de Antonia Fernández y de Riki Rivera surge el deseo de exponer un repertorio nuevo y dinámico, donde jugar con músicas flamencas antes no experimentadas por ella y llevarlas a un plano actual. El repertorio es un traje a medida a sus necesidades artísticasdonde ellos pueden expresar lo que llevan dentro, haciendo partícipe al público de sensaciones y momentos que solo el flamenco puede aportar. No hay artificios, no hay edulcorantes, solo flamenco. No puede ser de otra manera, una flamenca de verdad, exponiendo y entregando cante, para todo aquel que guste de experimentar de una voz añeja en un cuerpo joven, una sapiencia cimentada en una base familiar y perfeccionada con el trabajo constante durante años de profesión.

Día 21/6, jueves

LLUÍS COLOMA

Blues & Boogie Woogie

Del Ragtime al Boogie Woogie

Ciclo: 150 Aniversario del nacimiento de Scott Joplin

Ver video 1   Ver video 2

Con un directo insuperable, Lluís Coloma crea en sus conciertos una atmósfera mágica de principio a fin, convirtiendo cada actuación en una experiencia única e inolvidable. Con una endiablada mano izquierda y un gran talento para la improvisación Coloma consigue un sólido y contundente sonido. Gran comunicador, contagia su pasión por esta música festiva a un público entregado desde los primeros compases. Su gran técnica y virtuosismo lo convierten en uno de los máximos exponentes del Blues y el Boogie Woogie en Europa. Desde hace más de quince años, Lluís Coloma ofrece una música personal y un repertorio que, uniendo tradición y originalidad, fusiona de manera natural e innovadora la música de Nueva Orleans, el Rhythm & Blues, el Boogie Woogie, el Rock, el Blues… Un espectáculo intenso y lleno de energía, donde la fuerza sorprendente del piano envuelve a un público que rápidamente se abandona a los ritmos frenéticos y trepidantes del músico y a la pasión y el sentimiento de la interpretación de Coloma, que vive cada uno de sus conciertos como un acto total. Una música directa y fresca que arranca ovaciones y crea una atmósfera hipnótica capaz de transportar al público en viajes apasionantes. Los conciertos de Lluís Coloma son simplemente un desbordamiento de entusiasmo.

Este año 2018, se cumple el 150 aniversario del nacimiento de Scott Joplin (1868-1917). Por ello, Lluís Coloma presenta un concierto al entorno del Ragtime y de sus estilos contemporáneos como el Stride Piano, el Barrelhouse Piano, el Boogie Woogie, el Novelty Piano, el Blues Rural… Un viaje musical desde finales del siglo XIX hasta los años 30-40 del siglo pasado, mostrando en su camino la riqueza de estos estilos pianísticos y su interrelación. Si duda una oportunidad única de ver a Lluís Coloma con un repertorio diferente al que nos tiene acostumbrados pero manteniendo el espíritu que le caracteriza en todas sus interpretaciones, donde se entrega a cada nota desde principio a fin.

Día 22/6, viernes 

MARIAROSARIA D´APRILE / TOMMASO COGATO

Música Clásica

Debussy: genio y ascendiente (Obras de Debussy, Lili Boulanger, Reynaldo Hahn)

Ciclo: Centenario de la muerte de Claude Debussy

Ver video 1   Ver video 2

El dúo de violín y piano formado por Mariarosaria D’Aprile y Tommaso Cogato se caracteriza por su labor de difusión de la música de cámara italiana y española, y por su especial atención al repertorio contemporáneo, sin olvidar el repertorio clásico general. Desde el año 2009, y de manera complementaria a sus trayectorias individuales, este dúo ha interpretado obras de autores europeos y españoles, en diversos conciertos por Andalucía, España, Italia, Alemania, Francia, Suiza, Montenegro y Inglaterra.

A lo largo de su trayectoria, este dúo ha reivindicado a los compositores menos conocidos, rescatando su obra y dándoles difusión en el contexto internacional. Se ha implicado igualmente en proyectos interdisciplinarios sobre compositores clásicos y contemporáneos, aunando la musicología con otras ramas artísticas, así como en diversos homenajes a figuras clave del repertorio español e italiano.

Claude Debussy fue indiscutiblemente el mayor y mejor exponente del impresionismo en música, gracias a su genial intuición sobre la descomposición de elementos melódicos, rítmicos y armónicos, revolucionando la composición musical que hasta entonces tuvo contornos más precisos (melodías, funciones armónicas, forma). Él supo hacer con la música lo que pudieron hacer pintores como Monet o poetas como Rimbaud y Verlaine. “Syrinx” fue escrita en el 1913 como canto fúnebre del dios Pan, para una obra de teatro. La sonata para violín y piano fue la última obra que ejecutó y la última que obra de música de cámara que escribió, mientras la enfermedad le dejaba poco para vivir y mientras el primer conflicto mundial derribaba todas las certezas del siglo XIX, para plasmar la Europa del siglo XX. “Claire de Lune”, una de las piezas más conocidas de la música clásica se inspiró también a nivel estilístico en las Fiestas Galantes de Paul Verlaine, poemas parnasianos centrados en la belleza de estilo (arte por el arte) ajena a conflictos. El genio de Debussy no podía no influir en los compositores que le sucedieron. Así la joven Lili Boulanger escribe “D’un matin de printemps” imaginando una lluvia insistente, quizás bajo la inspiración de “Jardins sous la pluie” de Debussy; y el francés y venezolano Reynaldo Hahn escribe en el 1927 una maravillosa sonata para violín y piano que parece inspirada en la estética parnasiana del primer Debussy.

Día 23/6, sábado

RUBÉN DÍEZ TRÍO

Folk

The Bloomsday (Música tradicional y folk de Irlanda)

Ver video 1    Ver video 2

 Rubén Díez se presenta en una nueva formación en trío acompañado del guitarrista onubense John Conde y el contrabajista sevillano Javier Delgado, buscando la sonoridades más acústicas de un repertorio basado en las músicas tradicionales de las orillas arco atlántico y los países de influencia celta. Ruben Díez es productor y músico (flautas, gaita gallega), cofundador y miembro del grupo Rarefolk, así como fundador de los grupos Sheela Na Gig y The burnt Old Men especializados en música tradicional irlandesa  y Folk atlántico. John Conde es un guitarrista autodidacta y ecléctico que ha participado en multitud de proyectos, abarcando diversos estilos desde el Jazz al Rock. Javier Delgado, contrabajista habitual de la escena jazzística sevillana, componente de distintas agrupaciones y miembro fundador de la Andalucia Big Band.

El programa que nos presenta va desgranando piezas originarias del Quebec Canadiense, Irlanda, Escocia, Bretaña francesa y Galicia. Rubén Díez ha editado más de una decena de grabaciones con distintas formaciones y como solista. Es cofundador y miembro del Grupo “Rarefolk” desde hace 25 años. Director del Aula de música tradicional del “Lar Gallego de Sevilla” desde el año 2001. Colaborador habitual del festival internacional “Irish Flead” de Cáceres.

 

VENTA DE ENTRADAS

Descubrimiento de unas pinturas murales de época Mudejar en el cenador del León

Los trabajos arqueológicos llevados a cabo en el Cenador del León han aportado relevantes datos sobre su configuración original. El descubrimiento de un enlucido heráldico ha permitido plantear una hipótesis sobre la reforma palatina emprendida de Alfonso X y posteriormente por Pedro I, que afectaría de algún modo a las huertas, las cuales se embellecerían con algunos elementos arquitectónicos de suficiente entidad como para promover un esfuerzo decorativo de tal dimensión.

El revoco descubierto, localizado en el perímetro de la alberca en su lado septentrional es un estuco de buena calidad sobre el que se trazaron las habituales líneas modulares grabadas que sirvieron de base para el motivo pictórico, técnica similar a la utilizada en la decoración exterior del Salón de Embajadores de Pedro I recientemente descubierta, tanto en el sistema de incisiones previas como en el motivo heráldico en sí.

Dicho motivo responde a un esquema de octógonos contiguos superpuestos en dos bandas, cada uno de los cuales contiene el escudo de la Orden de la Banda, el de Castilla y el de León de manera alterna. Al superponerse dejan entre ellos espacios romboidales resueltos con una decoración de follaje gótico. En la base de los octógonos inferiores hay una línea roja que delimita un espacio inferior aparentemente sin decoración, aunque podría bien disponer de una lacería o cualquier otro motivo.

No se ha conservado la parte superior del zócalo pictórico; la coronación fue eliminada por el pretil perimetral del andén de la alberca del siglo XVI. Tampoco se conoce la parte inferior, cubierta por los arriates actuales y presumiblemente mucho más baja en su base.

Los octógonos son de un pie y los rombos de un palmo. A nivel cromático la base es un estuco blanco sobre el que se dibuja un grueso trazo rojo que delimita las escenas. El interior de cada octógono dispone de una gruesa banda perimetral en color albero intenso que deja en blanco el interior. Los tres motivos (León, Castilla y La Banda) se disponen con trazos rojos sobre el campo en rojo. Por su parte el rombo está organizado mediante un elemento floral en blanco definido por un leve trazo rojo sobre un fondo general negro.

El hecho de que sólo hayamos detectado dos de los muros de la estructura con ornatos heráldicos bajomedievales impide mayores precisiones tanto en lo que a su disposición global original se refiere como en relación a su funcionalidad. Por este motivo, consideramos la posibilidad de que la alberca y su andén perimetral, no así el cenador, existieran con anterioridad y sólo fueron mejoradas en el siglo XVII. Nos queda la duda de si el cenador sustituyó a un pabellón previo o simplemente nunca existió un elemento de esa categoría asociado a la alberca, lo cual es a nuestro juicio difícil de sostener dada la espectacularidad y simbolismo del motivo decorativo.