Noticias

Exposición de pintura y escultura “Estudio abierto”

 

Del 8 al 23 de septiembre de 2018 abriéremos la Exposición de Pintura y escultura “Estudio abierto”  de la Asociación de artistas de Carmona. La inauguración será el sábado 8 de septiembre a las 20:00 horas.

Colaboran artistas como Manuel Bascón, Celia Márquez, Ana Aydillo, Fernando García, José M. Muñoz, P. de la Lastra y Miguel A.Villa.

Horario de mañana de 11:00 a 15:00 horas. Sala del Apeadero. Patio de Banderas s/n.

XIX NOCHES EN LOS JARDINES DEL REAL ALCÁZAR DE SEVILLA / Conciertos del 20 al 25 de Agosto

 

Día 20/8, lunes 

Q & THE MOONSTONES

Otras Músicas: rhythm & blues, rock & roll, soul…

This & That

Ver video 1   Ver video 2

 

«Q & The Moonstones» es la banda de R&B del guitarrista andaluz Quique Bonal (Caledonia Blues Band, Blues Machine, Blues Blasters, Mingo & Blues Intruders). El resto de la banda la integran la activa cantante sevillana Vicky Luna, a la que se une una potente sección rítmica formada por Rafael Rabal y Nani Conde, que imprimen a la banda una fuerza y swing arrebatadores. El grupo aborda los estilos más influyentes de la música popular anglosajona en los que alternan el swing, el rhythm & blues, el rock & roll y el soul. Durante 60 minutos, interpretarán piezas que cautivarán al espectador por su dinámica, emotividad y energía. Así de simple, “This & That”.

Tomando como base el blues, «Q & The Moonstones» interpretan un repertorio variado de temas propios y versiones. El gran productor británico de blues Mike Vernon (Eric Clapton, John Mayall, Fleetwod Mac, Peter Green, Freddie King, Ten Years After…) colabora estrechamente con «Q & The Moonstones» como productor y coautor (junto a Quique Bonal) de la mayoría de los temas de la banda.

Su reciente disco “This & That”, en el que participan algunos de los mejores bluesmen del mundo, abarca una gran variedad de estilos a lo largo de sus catorce cortes, doce de los cuales son fruto de la colaboración Bonal/Vernon.

 

Día 21/8, martes

AL MAQAM

Música arábigo-andalusí

Al-Andalus: las llaves de la memoria

Ciclo: Voces de sal

Ver video 1   Ver video 2

 

Al Maqam surge a finales del año 2000 por impulso del proyecto discográfico financiado por el Ministerio de Asuntos Sociales y la Junta de Andalucía para favorecer la convivencia y la interculturalidad, y nace con los objetivos básicos de formar un grupo de músicos profesionales que conformen alguna de las mejores orquestas y formación de cámara del panorama Andalusí.

Entre sus objetivos está el de desarrollar nuevos programas musicales, repertorios tradicionales y de innovación artística, apostando por un nuevo concepto de la música árabe en general con temática andalusí, y así favorecer su inserción en el mundo laboral y buscar la captación de nuevos públicos.
Todos los miembros de Al Maqam tienen un amplio bagaje musical, fruto de su preparación y de su dedicación continua al ofrecimiento de recitales tanto en los circuitos musicales de Marruecos, como en la península. Como músicos, se muestran siempre abiertos al hermanamiento de culturas.

En árabe, “Al-Maqam” es fragmento o escala musical donde se desarrolla la música mágica del orientecon “Tarab” que alude a las sensaciones o sentimientos que la música despierta en el alma, un arte ligado a los procesos cósmicos y a los estados de ánimo humanos.

En la España musulmana, Al Andalus desarrolló una música compleja y delicada que se alimentaba de las culturas magrebíes, hispana y del Cercano Oriente. Una música que de la mano de Ziryab tomó el refinamiento persa, la sobriedad árabe y la jovialidad beréber que se fundieron con la herencia hispano-visigoda y la hebrea para crear en el califato y los reinos de taifa un arte autóctono.

La música y la poesía andalusí nos cuentan hasta qué punto el valor del amor era necesario y útil para el desarrollo y la prosperidad de toda la cultura arábigo-andalusí.

Estas músicas y cantos encuentran en el norte de África, “Al Magreb”, la mejor forma de manifestarse a través de la cultura tradicional, cuyo mejor ejemplo sería la ceremonia de la boda o la noche andalusí que presenta este programa.

 

Día 22/8, miércoles

RAFAEL RUIBÉRRIZ / CUARTETO GOYA

Música Clásica

Serenata en los jardines de palacio (Obras de Luigi Boccherini)

Ver video 1   Ver video 2

 

El Cuarteto Goya es una agrupación joven y singular dentro del panorama camerístico español. Su marcada personalidad como cuarteto de cuerda viene dada por sus dos principios fundamentales: la recuperación, estudio y difusión del repertorio ibérico y la fidelidad a la perspectiva histórica de cada obra. Esto último, que no hace sino acercarnos más a la esencia de la música, pasa por la adaptación de instrumentos y técnicas a cada época, a cada lugar y a cada estilo, logrando así estar lo más cerca posible del sonido que tenían los compositores en la cabeza cuando pensaban en un cuarteto de cuerda. Los miembros del Cuarteto Goya son instrumentistas formados en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid y en la Escuela Reina Sofía que han ampliado sus estudios en Francia, Suiza y Holanda, especializándose en la interpretación historicista de la música de cámara. A día de hoy, colaboran con algunos de los músicos y orquestas más prestigiosos del panorama internacional de la música antigua. En los últimos años, el Cuarteto Goya ha colaborado con entidades como el INAEM, el Instituto Cervantes, la Agencia Española de Cooperación Internacional, la AIE, el Festival Antiqva de La Caixa, la Fundación Juan March o el Festival Internacional de Santander, lo que le ha proporcionado numerosas actuaciones en España, Portugal, Francia, Suiza, Países Bajos y Argelia. Su último gran proyecto es la grabación de los cuartetos Op. 3 de Manuel Canales, una tarea que recoge el trabajo de los últimos seis años y que busca situar al compositor entre los grandes cuartetistas del siglo XVIII.

El sevillano Rafael Ruibérriz es Premio Extraordinario Fin de Carrera en el Conservatorio de Sevilla y se ha perfeccionado en Holanda y en el Royal College of Music de Londres. Su formación orquestal la desarrolló en la Orquesta Joven de Andalucía, la Nationaal Jeugd Orkest de Holanda, la Orchestra of the 19 Century of the NJO de Holanda, la European Baroque Orchestra Academy of Ambronay, la Jeune Orchestre Atlantique y la Academy of the Orchestra of the Age of Enlightenment de Londres. Ha trabajado con directores como Michael Thomas, Barenboim, Pablo González, Leonhardt, Immersel, Minkowski, Rousset, Langrée, Herreweghe, Sir Mark Elder, Christophe Coin, Onofri, Norrington, Niquet o Alan Curtis, entre otros, en España, Bélgica, Inglaterra, Escocia, Francia, Holanda y Alemania. Fue director musical de la Banda de Música del Sol de 2010 a 2016, toca frecuentemente con la Orquesta Barroca de Sevilla.

A los 25 años de edad, en 1769, Luigi Boccherini (Lucca, 1743 – Madrid, 1805) fue nombrado violonchelista y compositor de la capilla real del Infante Luis Antonio de Borbón, sexto hijo de Felipe V y hermano de Carlos III. Con este nombramiento comienza, en España, su etapa de mayor creación musical. Hacia 1770 empezó a componer música de cámara, principalmente cuartetos y quintetos para cuerda, obras con las que ha sido ampliamente relacionado. Fueron las apariciones del virtuoso flautista Gaspar Barli por la corte del Infante Luis, las que motivaron a Boccherini a escribir veinticuatro quintetos y seis sextetos para flauta y cuerda, todos ellos de gran calidad y belleza. En una versión única interpretada con instrumentos de la época por el cuarteto de cuerda español especializado en interpretación histórica con más proyección, saldrán a relucir algunos personajes claves del entorno de Boccherini: el flautista Gaspar Barli, el Infante Luis de Borbón, el arquitecto Ventura Rodríguez (diseñador de los jardines del Palacio de Boadilla del Monte), etc. 

 

Día 23/8, jueves

LIONA & SERENA STRINGS

Músicas del Mundo

Sefarad

Ciclo: Voces de sal

Ver video

 

Liona & Serena Strings surge en el año 2013 y desde entonces ha realizado dos principales proyectos musicales. El primero llamado “Chimes” es una mezcla de distintas músicas del la antigua España, de África, Brasil y de temas propios, que no dejaba impasible al oyente, sino que lo transportaba a un lugar pluri-cultural lleno de efectos estilísticos clásicos. En Octubre 2014 graba en directo su primer disco editado “Chimes” en el Museo Corominas de Estepona, Málaga. Siendo hebrea viviendo en España, Liona lleva el grupo hacia lo que es su esencia musical y enfoca en la música hebrea y judía originada en España y la península Ibérica, creando juntos el nuevo proyecto y álbum “Sefarad”. En 2017 el nuevo proyecto entra en la programación de la Junta de Andalucía y se presenta en teatros y castillos de la comunidad autónoma. 

“Sefarad” es un espectáculo que llega al corazón. Liona & Serena Strings (afincada en Cádiz) combina la música Sefardí con composiciones propias de Piyutim -textos religiosos y filosóficos hebreos escritos a lo largo de dos mil años de diáspora-, todas originarias en la Península Ibérica una vez llamada “Sefarad”. Arreglos contemporáneos (pero influidos por la música clásica), que combinan el cello, el violín y la guitarra por un lado, y la percusión Árabe-Oriental-Flamenca y el bajo por el otro, para lograr un perfecto sonido mixto que despierta sensaciones y te transporta a otra época.

Una compilación de músicas de distintas generaciones a lo largo de la historia hebrea en España medieval. Los “Piyutim” son textos espirituales y filosóficos hebreos escritos a lo largo de 2000 años de diáspora, desde que se derribó el segundo templo en Jerusalén y los judíos fueron expulsados. Estos textos fueron escritos y usados en las oraciones y para añorar Sión (la tierra de Israel). Los textos elegidos para este concierto son de la Era Dorada desde 700 a 1490 DC originarios en tierra Ibérica.

La Música Sefardí, creada por los judíos que vivían en la península Ibérica llamada Sefarad antes de la Reconquista. El idioma Sefardí (“Ladino” en hebreo) se caracteriza por la mezcla del español antiguo con los idiomas del imperio Otomano, del norte-africano (a donde huyeron los judíos expulsados de Sefarad) y el hebreo. La Música Sefardí se mantuvo viva desde entonces hasta hoy pasando de generación a generación verbalmente.

Este concierto entrelaza la esencia musical de la España medieval (Castilla, Aragón y Andalucía) con la del resto del mundo, a través de los caminos creados por los nómadas hebreos.

 

Día 24/8, viernes 

MARIAN HERRERO / DANIEL DEL PINO

 

Música Clásica

Bach: una visión moderna

Ciclo: En clave de Bach

Ver video 1   Ver video 2   Ver video 3

 

El dúo formado por la violista Marian Herrero y el pianista Daniel del Pino ha ofrecido numerosas giras dentro de proyectos más amplios interpretando los conciertos de Chopin para piano y cuarteto de cuerda en once conciertos en Estados Unidos (Chicago, Madison, Wasghinton…) así como en Escocia (Aberdeen, Glasgow, Edimburgo…) y por toda España, así como zarzuelas en versión para piano y quinteto de cuerda que han ofrecido con gran éxito en numerosas sociedades filarmónicas y en varios ciclos en Madrid. Como dúo han actuado por toda España y en Suiza con un repertorio que abarca desde el barroco hasta la música actual.

Daniel del Pino ha actuado en las mejores salas del todo el mundo (Bulgaria Hall de Sofía, Ateneo G. Enescu de Bucarest, Teatro de la Maestranza de Sevilla, Auditorio Nacional de Madrid, National Concert Hall de Taipei, Carnegie Hall de Nueva York) y colaborado como solista con prestigiosas orquestas.  Ha grabado discos junto al Cuarteto Leonor, José Luis Estellés, Ludmil Angelov y Neopercusión, Ara Malikian y la Orquesta de Cámara Non-Profit, Andreas Prittwitz… Desde septiembre 2016 es profesor de piano en el grado superior y máster, que ofrece el Centro Superior de Enseñanza Musical Katarina Gurska, en Madrid. Por su parte Marian Herrero es Primer Premio del concurso “Hazen” en 2003, y se ha perfeccionado en el Conservatorio Superior de Música del País Vasco (Musikene) y en Basilea (Suiza). Ha formado parte de la joven orquesta europea “Gustav Mahler”, actuando en salas como Concertgebouw (Ámsterdam), Musikverein (Viena) y La Scala (Milán), entre otras. Forma parte actualmente de grupos de música de cámara y barroca, actuando por Europa y Estados Unidos. Colabora habitualmente en la Orquesta de RTVE.

La interpretación de la música de Bach con instrumentos modernos (viola, piano en este caso) siempre genera gran controversia. A veces nos olvidamos que no sólo han cambiado los instrumentos, también han cambiados los escenarios, los formatos del concierto, los ritmos de la sociedad, nuestro oído, la percepción del oyente. Por otra parte la música de Bach se escribía de forma universal, la misma Sonata BWV 1027 existe para dos flautas y clave, y otras formaciones. A diferencia del romanticismo en donde se componía de forma muy específica para un instrumento, con su idiosincrasia y su lenguaje, en el barroco se pueden descubrir nuevas sonoridades y conceptos en la interpretación en instrumentos modernos como el piano. La caja de resonancia del piano, la mayor duración del sonido y la posibilidad de usar dinámicas a diferencia del clave, abre todo un mundo para redescubrir estas joyas de la literatura.

 

Día 25/8, sábado

RANDOM THINKING

Pop, folk, blues, smooth jazz…

Puro acústico

Ver video 1    Ver video 2    Ver video 3 

 

“Verdaderamente impresionante” / Radio 3
“Música que engancha y fascina, que seduce sin pretenderlo” / ABC
“Músicos de una calidad enorme, exquisitos” / Canal Sur
“Random Thinking han forjado una carrera segura y de prestigio. Buenas críticas y grandes sensaciones” / Cadena Ser
“Contundente delicadeza. Folk y blues con mucha clase” / Ruta 66

 

El grupo que llega avalado por el reconocimiento unánime de crítica y público. Escogidos entre los Mejores Artistas Nacionales del año por RNE, su estilo es todo un tratado de buen hacer, enraizado en los géneros madre de la música actual, pero ecléctico y cosmopolita. Por su expresividad, por lo orgánico de su sonido y por la energía que inyectan, hacen de su propuesta una experiencia única e inolvidable. Nos presentarán “Puro acústico”, un viaje emocional a través de temáticas universales como el esfuerzo, la superación y la libertad; un espectáculo basado en poderosas melodías que fusionan folk, blues y smooth jazz, derrochando fuerza, elegancia y sensibilidad.

La pureza del sonido acústico sienta las bases de una cuidada puesta en escena donde guitarras y voz conmueven a través de una música llena de matices que habla al alma y atrapa al público. “Random Thinking” es una expresión anglosajona que significa dejar fluir las ideas libremente, sin prejuicios. Libertad para pensar y para vivir. La propuesta recorre el repertorio original del proyecto artístico musical «Random Thinking» (compuesto por los hermanos gaditanos Aurora y Ángel Pérez). Estos sentimientos se proyectan con maestría a través de guitarras acústicas y voz como únicos instrumentos. La composición musical es rica y luminosa, conformando un espectáculo enraizado en los géneros madre de la música actual.

 

 
El lunes 20 de agosto, a las 10 de la mañana, se ponen a la venta las entradas para los conciertos del 27 de agosto al 1 de septiembre  
 

Enlaces para más información:

 

Web oficial de la XIX Noches en los Jardines del Real Alcázar

 

Venta de entradas

 

Calendario de conciertos

 

Programación por estilos musicales

 

Horarios y acceso

 

Cómo llegar

 

Información general

 

Normas generales que rigen en la actividad

 

Descarga de información en PDF

 

Video promocional

 

Visitas nocturnas teatralizadas

Con estas visitas el monumento «enriquece» la programación oficial concebida por el Ayuntamiento para la conmemoración del IV centenario del nacimiento del genial artista (Año Murillo).

Las visitas estarán representadas por la Compañía Teatro Clásico de Sevilla.

El delegado municipal de Hábitat Urbano, Cultura y Turismo, Antonio Muñoz, asistió este pasado martes por la tarde al ensayo general de la representación en un monumento, el Real Alcázar, que ya de por sí está incorporado al itinerario «Tras los pasos de Murillo».

Si bien el pintor no realizó ningún cuadro para este conjunto palaciego, su producción artística está estrechamente relacionada con el mismo y, además, en él se conserva una de sus pinturas: «San Francisco Solano y el toro», ejecutada por el artista para el Convento de San Francisco.

El dramaturgo Alfonso Zurro es autor del texto de ficción utilizado por la compañía Teatro Clásico de Sevilla, dirigida por Juan Motilla, para estas visitas teatralizadas, dedicadas a Murillo.

La representación transcurre por el Patio de la Montería con «El joven Murillo». Corre el año 1633, y al joven Bartolomé Esteban Murillo, de 15 años, le ha sido denegada la marcha a América. Acude alCorral de Comedias de la Montería, donde trabaja como cómico un familiar suyo, el cual le solicitará pintar teloncillos y otros artificios para el teatro -el Palacio del Rey Don Pedro-.

En 1729, Felipe V y su corte se instalan en el Alcázar, done transcurre la acción de «Comprar murillos». Es el llamado lustro real de Sevilla. La reina, Isabel de Farnesio, coleccionista de arte, sabe que en las Colecciones Reales no poseen ninguna obra de Murillo, al que admira. Y ahora que está en Sevilla, va a intentar comprar todos los cuadros de él que le sean posible- y finalizará en torno a los Jardines y el Palacio Gótico, donde tendrá lugar la representación de «La exposición de murillos».

En el año 1767, Pablo de Olavide es enviado por Carlos III a Andalucía para proyectos de colonización y de culturización. Olavide, instalado en el Alcázar, organiza a menudo tertulias al modo francés que adquieren fama y renombre. En el año 1774, estando ya cerca el primer centenario de la muerte de Murillo, planea para la fecha una gran exposición de sus cuadros en el Alcázar.

Los personajes que aparecen en la visita son Silvestre Galán, actor del corral de comedias de la Montería; Leandra de Salvia, actriz del corral de comedias de la Montería; la Duquesa de Arcos, dama de compañía de la reina; la reina Isabel de Farnesio, esposa del rey Felipe V; el músico Pablos de Marchena; la bailarina Julianita «La Tormentas»; la marquesa de Villanueva, importante dama de la nobleza sevillana; Pablo de Olavide, asistente real en Sevilla; y la bailarina italiana Marcella Perinnia, además del propio pintor Bartolomé Esteban Murillo.

Atractivo cultural

«Sin duda, una obra de gran atractivo que nos retrotrae a la época del pintor con un texto expreso para su representación en este entorno monumental y paisajístico de gran belleza como es el Real Alcázar. Es un ejemplo más de la programación cultural propia del monumento, que enriquece la agenda cultural de la capital al tiempo que se enmarca en la estrategia del Ayuntamiento para acercar el conjunto palaciego a los sevillanos y a las familias», ha comentado Antonio Muñoz.

En su recorrido por jardines y palacios, se juega con la luz y sus reflejos sobre elementos arquitectónicos y decorativos y un espectáculo audiovisual en los Baños de Doña María de Padillaproyecta cuadros y personajes de las pinturas de Murillo sobre sus paredes, arcos y agua.

Las visitas arrancan este jueves, día 1 de marzo, con cuatro pases diarios los jueves y viernes entre las 21,00 y 22,30 horas, y con reservas exclusivamente a través de la WEB. Son 45 personas por turno, a un precio único de 14 euros. El ciclo continuará hasta finales del mes de octubre.

XIX NOCHES EN LOS JARDINES DEL REAL ALCÁZAR DE SEVILLA / Conciertos del 13 al 18 de Agosto

Día 13/8, lunes 

ANTONIA FERNÁNDEZ / RIKI RIVERA

 

Flamenco

Lo que pida la luna

Ver video 1   Ver video 2

 

El dúo formado por Antonia Fernández y Riki Rivera se presentan en exclusiva en 2018 en el ciclo Noches en los Jardines del Real Alcázar de Sevilla, como respuesta de la inquietud artística de la cantaora almeriense. Antonia (Toñi Fernández para el arte flamenco) nace en el seno de una familia gitana con gran afición al arte jondo. Comienza a cantar a temprana edad siguiendo los pasos de sus hermanos, recorriendo numerosos escenarios de peñas, tablaos, pero su nombre empieza a conocerse al hacerse con el primer premio en el X Concurso Andaluz de Jóvenes Flamencos. En 2012 graba su primer disco “Dame la mano” rodeada de colaboradores como, Pedro Sierra, Diego del Morao, Jesús del Rosario o Ricardo Rivera (Riki Rivera para el arte, sin etiquetas). El gaditano Riki Rivera es un personalísimo artistaque derrocha el arte que sólo otorga el Barrio de la Viña. También guitarrista flamenco de profundo conocimiento, que desde que empezara con la Compañía Andaluza de Danza de la mano de Javier Latorre, ha dado discretamente pasos de gigante en una carrera brillante. Su versatilidad en el arte le valió un Goya en 2015, por la canción “Niño sin miedo”, junto a India Martinez y David Santisteban. De la mano de este último, el dúo emprende una colaboración que seguro abrirá nuevos horizontes artísticos.

Los artistas no sólo tienen la necesidad de reproducir, los artistas tienen la necesidad de crear. En este momento y después del bagaje como cantaora de Antonia Fernández y de Riki Rivera surge el deseo de exponer un repertorio nuevo y dinámico, donde jugar con músicas flamencas antes no experimentadas por ella y llevarlas a un plano actual. El repertorio es un traje a medida a sus necesidades artísticasdonde ellos pueden expresar lo que llevan dentro, haciendo partícipe al público de sensaciones y momentos que solo el flamenco puede aportar. No hay artificios, no hay edulcorantes, solo flamenco. No puede ser de otra manera, una flamenca de verdad, exponiendo y entregando cante, para todo aquel que guste de experimentar de una voz añeja en un cuerpo joven, una sapiencia cimentada en una base familiar y perfeccionada con el trabajo constante durante años de profesión.

 

Día 14/8, martes

ARTEFACTUM

Música medieval

Música sabia

Ver video

 

Los componentes de Artefactum son todos músicos curtidos en mil batallas, con una compleja e interesantísima trayectoria musical, lo cual es importante, pero con una más dilatada trayectoria vital, lo que es fundamental para saber de qué va lo que se está interpretando. No se puede transmitir una emoción que se desconoce y no se puede conocer una emoción sólo a través de una partitura. El Medioevo, quizás más que ninguna otra época en la historia, pone en contacto la ingenuidad monástica con la picaresca tabernaria, las comodidades de las cortes y las penalidades del Camino de Santiago y en Artefactum hay de todo esto, y mucho más.

A finales de 2016 el grupo hizo su presentación en Japón (Tokio y Hamamatsu), así como el estreno de su último trabajo discográfico “Musica ad navitatis tempus” en el Auditorio Nacional (Madrid) dentro del XLIV Ciclo de Grandes Autores e Intérpretes de la Música. Ya en 2017 Artefactum participó en el Festival de Música Medieval de las Huelgas en un concierto en unión del prestigioso coro gregoriano Schola Antiqua. Igualmente realizó el concierto especial de navidad 2017 de la Fundación Botín, en Santander.

Creado en 1994, Artefactum es uno de los grupos más representativos dentro del panorama de la Música Medieval en España, como lo muestra su participación en los más prestigiosos festivales de Música Antigua de nuestro país.

Artefactum es miembro fundador de AEGIVE (Asociación Española de Grupos Instrumentales y Vocales Especializados). Así mismo es miembro de GEMA (Asociación Española de grupos de Música Antigua).

Artefactum en su programa de esta noche deambula por algunas músicas creadas, pensadas y elaboradas desde la sabiduría. Alfonso X “El Sabio”, con su certeza a la hora de recopilar y plasmar tantas vivencias e historias de la época como las que disfrutamos a través de sus 427 Cantigas de Santa María. Compositores como Machaut y Landini, auténticos adelantados de su época. Rambeaut de Vaqueiras y su agudo acercamiento a la vida cotidiana medieval al igual que gran parte de sus ilustres colegas trovadores. Además el grupo también se hace eco de la sabiduría popular a través de piezas de baile, de amor, de guerra.

En la antesala de su 25 Aniversario (2019) y en su formación más reducida, aunque compuesta por los miembros fundadores del grupo, Artefactum nos propone una velada musical sin grandes pretensiones, en la que escucharemos piezas antiguas de su repertorio, al tiempo que otras de nuevo cuño, con un solo objetivo: Hacernos disfrutar de una música tan antigua como sabia.

 

Día 15/8, miércoles

STOLEN NOTES

Folk

Los caminos musicales del Atlántico

Ver video 1    Ver video 2

 

Stolen Notes nace como formación en el año 2006 en Sevilla, en el seno de las llamadas jam sessions de música irlandesa. Poco a poco  el grupo va rodando y haciéndose un hueco en festivales folk de todo el país tales como el Irish Fleadh de Cáceres, Festival Intercéltico de Occidente (Asturias), Festival Prau de Cantabria, Festival Celta de Mijas, Festival Folk de Crevillent y un amplio etcétera. También participan en varias ediciones de Noches en los jardines del Real Alcázar de Sevilla.

En 2009 graban el álbum de presentación del grupo en los estudios Mundosinfónico de Sevilla. Con este primer álbum (ya agotado) consiguen varios premios y distinciones en concursos como en el Folkez Blai de Ermua, El Festival Folk de Plasencia y en los Festivales PRAU de Cantabria. En Julio de 2011 se alzan con el Primer premio del Festival Internacional do Mundo celta de Ortigueira (A Coruña), galardón que supone un trampolín para la carrera del grupo. En 2013 publican “The Loot”, su segundo trabajo. Grabado entre Sevilla, Glasgow y Oviedo. Cuentan con la colaboración de músicos reconocidos mundialmente en el Folk como Rubén Bada (Bouzouki) y el violinista escocés Rua MacMillan.

En 2018 el sonido del grupo se renueva y publican el tercer álbum “The Ocean Road”, que viene a conmemorar sus más de diez años como formación. Con un sonido renovado y un repertorio siempre basado en la tradición musical de los países celtas, se desarrolla un programa que muestra un recorrido por sones y melodías que tienen el Océano Atlántico como nexo de unión. La confluencia del mismo mar entre escoceses, irlandeses, gallegos, asturianos y bretones ha inspirado multitud de historias, leyendas y hermanamiento cultural de estas tierras. Los miembros del grupo, tras años de estudio y continuos viajes, ofrecen una propuesta con una nueva vuelta de tuerca a su sonido pero manteniendo el sello y esencia de su trayectoria.

 

Día 16/8, jueves

IBERIAN & KLAVIER PIANO DUO

Música Clásica

Preludio a la noche (Obras de Ravel y Debussy)

Ciclo: Centenario de la muerte de Claude Debussy

Ver video 1   Ver video 2   Ver video 3   Ver video 4

 

Iberian & Klavier Piano Duo se ha convertido sin duda en uno de los dúos pianísticos más exclusivos y con mayor proyección internacional de la actualidad. Aclamado por crítica y público, su presencia en salas y festivales de todo el mundo ha ido creciendo desde su presentación en el Carnegie Hall de Nueva York en Junio de 2015 con motivo de la conmemoración del 60 aniversario de la inclusión de España en la ONU, donde la prensa internacional calificó el concierto como “extraordinario y una explosión de contemporaneidad pianística”; y también por haber sido ganadores del Primer Premio del Bradshaw & Buono International Piano Competition de Nueva York 2016.

En 2018-19, tras el éxito de su último Cd, I&K planea su cuarto trabajo discográfico. Su agenda les llevará a salas como el Rudolfinun Praga, Bozar Bruselas, Konzerthaus Berlín, Concertgebouw Amsterdam entre otras. También una gira en Norteamérica por ciudades como Chicago, Nueva York, Indianápolis, Waterloo y Toronto en Canadá, así como la presentación del dúo en Asia, China y Japón. Jurados concursos en internacionales y masterclasses. En España destaca su presentación como solistas con la Orquesta de Valencia. 

Muy comprometido con la difusión de la música española, latinoamericana  y la creación actual, con más de 12 estrenos absolutos, su amplio y muy versátil repertorio abarca desde Bach hasta la música de nuestros días. Asimismo, son habituales sus colaboraciones con otros artistas y otras artes como la danza.
El dúo es amante de los retos, como la presentación de la Integral de las 9 Sinfonías de Beethoven en tres días consecutivos (proyecto ya presentado en diversas ciudades españolas) o un Monográfico Schubert en tres conciertos.

Iberian & Klavier ha realizado grabaciones para TVE y RNE, Radio France y Radio Austria. En 2014 vio la luz su primer proyecto discográfico, “Café 1930”. En 2016 y ya en su propio sello discográfico ibe musik, I&K editó “Bon Voyage”, un disco homenaje a Granados con música de Bach, Mozart, Schubert y del propio compositor. En 2017 ha grabado su nuevo CD-DVD dedicado a la recuperación de la obra inédita para piano a cuatro manos del compositor Francisco Alonso.

Durante la temporada 2016-17 I&K ha ofrecido recitales en Italia y en numerosas ciudades españolas, además de conciertos con orquesta en Alemania y España. Entre sus más recientes figuran recitales en  la Alhambra de Granada, Auditorio Alfredo Kraus en Las Palmas, Fundación Juan March de Madrid, Auditorio Nacional de Música de Madrid, Festival de Música Contemporánea de Tres Cantos, Festival de Música Española de Cádiz, además de actuaciones con las Orquestas de la RTVE, Córdoba y Valencia.

 

Claude Debussy y Maurice Ravel son los protagonistas de un programa colorista y lleno de aromas que por sí solos se embriagan, siendo fieles al refinamiento y el exotismo de la música francesa y su constante inspiración en España. Comienza el programa precisamente con una exaltación de la música española: la ”Rapsodia Española” con sus movimientos Preludio a la noche, Malagueña, Habanera y la Feria… pero desde el punto de vista del francés Maurice Ravel. A continuación, la deliciosa “Petite Suite” de Claude Debussy, del cual en este 2018 se celebra el centenario de su fallecimiento. También de Debussy, el “Preludio a la siesta de un fauno” es un poema sinfónico que Ravel transcribió para el más sinfónico de los instrumentos tras la propia orquesta: el piano a 4 manos. Y para finalizar el concierto una de la obras más celebres de la historia de la música, el “Bolero” de Maurice Ravel en su versión para piano a 4 manos, legado del propio compositor y lo que nos lleva de nuevo, o nos trae -según lo miremos- una nueva visión de España pero desde el exterior.

 

Día 17/8, viernes 

FRANCISCO JOSÉ CANTÓ / ÁNGELA MORAZA

 

Música Clásica

La música para clarinete en la época de Debussy (Obras de Debussy, Saint-Saëns…)

Ciclo: Centenario de la muerte de Claude Debussy

Ver video 1   Ver video 2

 

La sevillana Ángela Moraza ha perfeccionado sus estudios en la Academia de Estudios Orquestales de la Fundación Barenboim-Said, la Orquesta Joven de Andalucía o la Orchestre Universitaire de París, además de colaborar con la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla en varias ocasiones. Por su parte el gaditano Francisco José Cantó es Premio Fin de Carrera en Clarinete, y ha perfeccionado sus estudios en la Royal College of Music de Londres y en la Universidad de Indiana (EE. UU.); asimismo ha sido invitado para tocar junto a la JONDE, la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla, la Orquesta Ciudad de Granada… 

El dúo se creó en 2009 para afrontar juntos distintos programas de música española, música iberoamericana y música romántica, con los que realizan conciertos en Madrid y en Andalucía. Su repertorio abarca desde composiciones del siglo XVIII hasta la actualidad con especial énfasis en la música española e iberoamericana.

Claude Debussy es considerado por muchos historiadores como el padre de la música moderna. Su lenguaje se circunscribe dentro del denominado estilo impresionista, aunque su influencia va más allá de los límites de su propio sistema compositivo. La esencia de dicho estilo queda claramente reflejada en las composiciones con piano de Debussy. André Messager y Charles Marie Widor son un ejemplo en Francia de compositores coetáneos a Debussy que mantuvieron un estilo más conservador, pero con algunos tintes modernistas fruto del conocimiento de la música de éste. Sin embargo, otros como Camille Saint-Saëns se opusieron frontalmente al estilo impresionista ya consolidado y siguieron cultivando una composición netamente romántica.

El estilo de Claude Debussy (1862-1918) influye directamente en muchos otros compositores tanto de Francia como de otros países europeos. En el programa que nos ocupa, se muestran composiciones de autores franceses (del propio Debussy, Messager, Widor y Saint-Saëns) cuya escritura está condicionada, en mayor o menor medida, por la del genio francés.

Las primeras tres obras del programa fueron escritas con motivo de los exámenes de clarinete del Conservatorio Superior de París. La Primera Rapsodia de Debussy data de 1909 y se puede considerar la primera obra impresionista del repertorio para clarinete y piano. Utiliza un lenguaje modal y explota todos los registros tímbricos tanto del clarinete como del piano para generar una sucesión de texturas que se suceden como las diferentes figuras de un cuadro de Monet, a través de una orgánica difuminación del color. El “Solo de Concurso” de André Messager (1899) es una pieza brillante en donde, a través de la explotación de los diferentes registros del clarinete, se generan diferentes texturas que parecen recrear estados propios del estilo impresionista, pese a estar escrita en un lenguaje netamente romántico. “Introducción y Rondó” de C. M. Widor, escrita en 1898, es la pieza que históricamente antecede a la de Messager para los exámenes de clarinete del conservatorio parisino y su lenguaje está, sin embargo, a caballo entre el lenguaje claramente tonal de Messager y el modal de Debussy. La pieza para piano solo “La isla alegre” de Debussy de 1904 muestra la esencia del estilo de este compositor, donde se exponen texturas y armonías totalmente innovadoras. Las dos últimas obras, «Claro de Luna» de C. Debussy y la Sonata de C. Saint-Saëns Op. 167, reflejan la gran diferencia de estilo entre dos compositores franceses y coetáneos. En el caso de la Sonata, compuesta posteriormente a «Claro de Luna», Saint-Saëns utiliza un lenguaje que integra bellas melodías de carácter expresivo propias del romanticismo, en el contexto de una sonata clásica en cuatro movimientos.

 

Día 18/8, sábado

RUBÉN DÍEZ TRÍO

Folk

The Bloomsday (Música tradicional y folk de Irlanda)

Ver video 1    Ver video 2

 

Rubén Díez se presenta en una nueva formación en trío acompañado del guitarrista onubense John Conde y el contrabajista sevillano Javier Delgado, buscando la sonoridades más acústicas de un repertorio basado en las músicas tradicionales de las orillas arco atlántico y los países de influencia celta. Ruben Díez es productor y músico (flautas, gaita gallega), cofundador y miembro del grupo Rarefolk, así como fundador de los grupos Sheela Na Gig y The burnt Old Men especializados en música tradicional irlandesa  y Folk atlántico. John Conde es un guitarrista autodidacta y ecléctico que ha participado en multitud de proyectos, abarcando diversos estilos desde el Jazz al Rock. Javier Delgado, contrabajista habitual de la escena jazzística sevillana, componente de distintas agrupaciones y miembro fundador de la Andalucia Big Band.

El programa que nos presenta va desgranando piezas originarias del Quebec Canadiense, Irlanda, Escocia, Bretaña francesa y Galicia. Rubén Díez ha editado más de una decena de grabaciones con distintas formaciones y como solista. Es cofundador y miembro del Grupo “Rarefolk” desde hace 25 años. Director del Aula de música tradicional del “Lar Gallego de Sevilla” desde el año 2001. Colaborador habitual del festival internacional “Irish Flead” de Cáceres.

 

 
El lunes 13 de agosto, a las 10 de la mañana, se ponen a la venta las entradas para los conciertos del 20 y el 25 de agosto  
 

Enlaces para más información:

 

Web oficial de XIX Noches en los Jardines del Real Alcázar

 

Venta de entradas

 

Calendario de conciertos

 

Programación por estilos musicales

 

Horarios y acceso

 

Información general

 

Cómo llegar

 

Normas generales que rigen en la actividad

 

Descarga de información en PDF

 

Video promocional